In April 2020, I reached out to over thirty artists who I have met over the past decade in different parts of the world and at different times. I asked them if they wanted to participate in a collaborative film which documents working artists today. Ten of them committed to this film project and they started filming their daily lives and routines between April and July 2020.
The result is an audio-visual collage created by artists who are based in the US, Canada, the UK and Germany. Even though the film brings together various voices, approaches, media and ideas, all artists participating share the drive to keep making work, to keep digging deeper into who they are and what it means to be making art today.
Even though the majority of the footage was shot between April and July 2020, some material was recorded in 2019 with the intention to draw a distinction between the ‚Beforetimes‘ and the ‚Aftertimes‘. „After the Beforetimes“ does not simply document working artists today, but it also offers a reflection on our current times with their politics, societal division, the ongoing pandemic, and the personal toll these issues take on each of us. Viktor Witkowski 2020
EIN TEIL, Leinen, Stecknadeln, Acryl, weiße Rahmung 25 x 25 x 5 cm, 2016
Die Preview-Ausstellung-Vernissage: 04.11.2020 ab 18 Uhr Ausstellung: 04.11. – 22.11.2020, täglich einsehbar durch das große Schaufenster des POEGEHAUS Auktion: “Stille Auktion”, reichen Sie Ihre Gebote bis 22.11.20 bis 24:00 Uhr online
The Golden Vlies 700.000 Golden neadles, linen, acrylic, Linoleum, bar, 100×700 cm, 2020
The Hair as Needle
In Anja Heymann`s work the needle assumes the role of a single hair. This piece of pointy, thin metal loses its sharpness when it appears in clusters of hundreds, thousands and even hundreds of thousands. Each needle is pushed through its support – a piece of primed linen – in a laborious and often painful process. Here the needle harnesses its industrial, mass-produced origin. It imitates animal hair, growth, and skin/ leather. In doing so, Heymann’s objects resemble pelts. The metal sheen of each pelt betrays its artifice, but it also elevates the object as a trophy and anomality. If we choose to look at these objects as pelts, we imagine the fantastical or extinct animal it came from. Or perhaps we choose to recognize them as symbols of power: precious pieces of animal fur that can be worn like armor.
It is appropriate to think of Heymann’s pelts as suits of armor since she clads her performers in them. Their protective quality is emphasized by the nudity of her performers who are given specific directions how to interact with any given exhibition space. Heymann’s performers are never confrontational; they acknowledge the presence of gallery and museum visitors, but they do not reach out to them. Instead, they remain bound to the objects they carry on their shoulders. The role of spectator and participant is clear-cut. We, the viewers, are kept at a distance to remind us that the needle is both a tool and a weapon: an object of desire better admired from afar.
Another object of desire and material in the work of Anja Heymann is her own hair which the artist has been collecting for the past thirteen years. In some cases, she details the amount of hair used for a work by listing the number of hairbrushes used. Even though there is a direct link between the needle as stand-in for hair and the actual human hair used by Heymann, the latter takes on a different role. It is detached from its original carrier. While the needle evokes an organic material, the hair which is organic and tied to an individual turns into an uncanny object. It implies a human carrier, but the hair suddenly exists in isolation from its carrier. The hair takes on a variety of forms: it is stitched, pressed behind glass, applied on canvas, or embedded in encaustic. These modes of usage amplify Heymann attempts to manipulate our perception of hair. In addition, her approach to hair as a medium speaks to the preservation of discarded hair. No matter if we are confronted with needles, suits of armor or discarded hair: we never quite manage to escape the sensation that we are witnessing something at once tender, fleeting, yet powerful and double-edged.
In Anja Heymann`s work the needle assumes the role of a single hair. This piece of pointy, thin metal loses its sharpness when it appears in clusters of hundreds, thousands and even hundreds of thousands. Each needle is pushed through its support – a piece of primed linen – in a laborious and often painful process. Here the needle harnesses its industrial, mass-produced origin. It imitates animal hair, growth, and skin/leather. In doing so, Heymann’s objects resemble pelts. The metal sheen of each pelt betrays its artifice, but it also elevates the object as a trophy and anomality. If we choose to look at these objects as pelts, we imagine the fantastical or extinct animal it came from. Or perhaps we choose to recognize them as symbols of power: precious pieces of animal fur that can be worn like armor.
It is appropriate to think of Heymann’s pelts as suits of armor since she clads her performers in them. Their protective quality is emphasized by the nudity of her performers who are given specific directions how to interact with any given exhibition space. Heymann’s performers are never confrontational; they acknowledge the presence of gallery and museum visitors, but they do not reach out to them. Instead, they remain bound to the objects they carry on their shoulders. The role of spectator and participant is clear-cut. We, the viewers, are kept at a distance to remind us that the needle is both a tool and a weapon: an object of desire better admired from afar.
Another object of desire and material in the work of Anja Heymann is her own hair which the artist has been collecting for the past thirteen years. In some cases, she details the amount of hair used for a work by listing the number of hairbrushes used. Even though there is a direct link between the needle as stand-in for hair and the actual human hair used by Heymann, the latter takes on a different role. It is detached from its original carrier. While the needle evokes an organic material, the hair which is organic and tied to an individual turns into an uncanny object. It implies a human carrier, but the hair suddenly exists in isolation from its carrier. The hair takes on a variety of forms: it is stitched, pressed behind glass, applied on canvas, or embedded in encaustic. These modes of usage amplify Heymann attempts to manipulate our perception of hair. In addition, her approach to hair as a medium speaks to the preservation of discarded hair. No matter if we are confronted with needles, suits of armor or discarded hair: we never quite manage to escape the sensation that we are witnessing something at once tender, fleeting, yet powerful and double-edged.
HAVE A LOOK VOL.II, Performance, 1 Std, 2019 im RAUM MIT AUSSICHT
Initiiert vom RAUM MIT AUSSICHT und der Staatlichen Kunstsammlung Dresden sowie der Sammlung Hoffmann, Berlin
mit (von l-r) Marten Schech, Levi Wolffe, Alex Lebus, Franziska Müller(SKD-Kuratorin), Bernd Selle und Anja Heymann
Fotokredits: Alex Lebus
HEIMLEUCHTEN, Unbekannte Gefilde, Body, 2019 Hintergrund Alex Lebus und Levi Wolfe Fotokredits: Alex Lebus
Fotokredits: Alex Lebus HEIMLEUCHTEN, Arrangement am Tresen, 2019 by Anja Heymann (hinten von l-r)Levi Wolffe, Alex Lebus, Marten Schech & Bernd Selle Fotokredits:Alex Lebus In Kooperation mit der staatlichen Kunstsammlung Dresden, Dank an die Sammlung Hoffmann, Berlin
HAVE A LOOK VOL.II, Performance, 1 Std, 2019 im RAUM MIT AUSSICHT
Eine Kooperation der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden mit dem neuen Kunstraum „Raum mit Aussicht“ im Rahmen des Outreach-Programmes „180 Ideen für Sachsen“.
OPENING 01.12.2019/ 1.ADVENT/ 15:00 UHR
17 UHR Performance / HAVE A LOOK VOL.2.0 by Anja Heymann
FINISSAGE / 25.01.2019 / 15:00 UHR
WO? Raum mit Aussicht
August-Bebel-Straße 38, 04824 Beucha
Öffnungszeiten: 02.12.-25.01. Dienstag – Samstag, 14 – 19 Uhr oder nach Absprache
Mit Malerei, Objekt, Installation, Performance und Videoarbeiten von
Das Wort „Heimleuchten“ erinnert uns an eine flackernde Kerze im Fenster, an eine brennende Laterne, die uns in der Dunkelheit den Weg weist zu einem Ort, an dem wir einkehren können und an dem wir sagen „endlich zuhause“.
Die ausstellenden Künstler begreifen „Zuhause“ und „Heimat“ nicht als Ort, sondern als Gefühl, das sich überall dort einstellt, wo wir uns sicher fühlen. Sie verbinden „zuhause sein“ mit „man selbst“ sein, den eigenen Ort mit der eigenen Identität.
So sind Marten Schechs Kellerhäuser eine „Heimleuchtung“ im Sinne des Hauses als Schutzort, den der Mensch für sich erdacht und für Generationen konstruiert hat, das „verwurzelt“ an seinem Ort steht und in dem es sicher und warm ist – bis man es ausgräbt und wegträgt…
Anja Heymann beschreibt das „leuchtende Heim“ als hellen, warmen und schönen Ort, den man mit seinen eigenen Spuren versieht, als Hort, an dem sich die Trophäen des Alltags ansammeln. Es ist ein Ort, der Vorfreude auslöst, an dem wir unsere Intimität ungestört ausleben können und frei sind im Sein und Handeln.
Für Levi Wolffe liegt dieser Ort im digitalen Raum. In der digitalen Welt ist er zuhause, denn dort sei man „frei und sicher, dort kann man sein, was und wer man will, es ist ein unendlicher Raum mit unendlichen Möglichkeiten, in dem jeder für sich selbst bestimmt, was passiert. Die einzigen Regeln, die es gibt, setzt man sich selbst“.
Bernd Selle verlagert die Begriffe „Identität“ und „Heimat“ konsequent in den Bereich des Assoziativen und Empfundenen. Seine Bilder zeugen von einem körperbetonten, unmittelbaren Malprozess, der Rhythmen, Harmonien, Mustern und dem Zusammenspiel des Formalen persönliche Bedeutung verleiht. Gleichzeitig wird Farben und Formen ein Eigenleben, eine kreative und spielerische Identität in einem eigenen Bildkosmos zugestanden. Das leuchtende Farbspektrum und die lichte, harmonische Grundstimmung der Gemälde stellen assoziativ den Bezug zum Titel „Heimleuchten‟ her.
Alex Lebus Arbeit „Das Rad“ zu den Zeichen Alpha und Omega, dem ersten und letzten Buchstaben des griechischen Alphabets, dem Anfang und dem Ende, verweist dagegen auf einen Zwiespalt: Das Leben ist ein Kreislauf und das Heim eine Illusion, denn es ist überall ebenso wie es nirgends ist; verspürt man es in sich selbst, ist es ewig. So wird die Verbindung von Alpha und Omega so lange weitergedruckt, bis die einmal aufgetragene Druckfarbe aufgebraucht ist.
Die Ausstellung wird erweitert um Arbeiten der Künstler Jimmi Durham und Borjan Sarcevic. Sie arbeiten ebenfalls mit den Motiven persönlicher Herkunft und Identität, der Erinnerung und des Zuhauses und stellen das menschliche Sein auf die Probe.
The fox is often underestimated. He pretends something, with his deceptive mica. He is a blender, wich one shows a fleeting presence. He would never rob his neighbors chicken. (Symbole und Allgegorien, PARTHAS VERLAG, Berlin, 2012)
HAVE A LOOK, Performance with the fox, 1 Std, 2019
HAVE A LOOK mit dem Fuchs 2019 Performance by Anja Heymann
Instruktionen Schreite durch den Raum Nehme alle paar Minuten eine Pose ein Interagiere mit keiner Person Schau durch alles hindurch Dein ganzer Stolz birgt das was du trägst Zeige das du zufrieden mit dir bist
